Mes: agosto 2019

A (solo) diez años del debut de Dawes

Javier

Jóvenes aunque no absolutamente nuevos en el negocio, el debut del cuarteto californiano cumple diez productivos años en los que han tenido tiempo de editar hasta seis discos de estudio. Provenían de Simon Dawes, efímera banda formada en Malibu por dos futuras luminarias de la nueva música estadounidense como Taylor Goldsmith y su amigo del instituto Blake Mills, que solo editaría un disco antes de disolverse en 2007. Al bajista Wylie Gelber, ya componente de esa banda seminal, se unirían Griffin Goldsmith (hermano menor de Taylor) a la batería y el teclista Tay Strathairn (único instrumento que ha ido variando de titular en estos años) cuando, tras el abandono de Mills para dedicarse a producir y componer en solitario, pasaron a denominarse Dawes (segundo nombre de Taylor Goldsmith, al igual que Simon lo era de Blake Mills) a secas.

Dados sus orígenes de la costa californiana a nadie puede extrañar su deuda con el hervidero de talento musical que fue el barrio de Laurel Canyon en el Los Angeles de los sesenta y setenta (Jackson Browne, Joni Mitchell, The Mamas & the Papas, The Byrds…), así como con otros clásicos de la música norteamericana como Neil Young, Gram Parsons o The Band. También por la influencia de su productor Jonathan Wilson en cuyo estudio, localizado en dichas colinas de Hollywood, hicieron sus primeras sesiones y en el cual crearon la añeja atmósfera sonora de este «North Hills» con el que debutaban hace exactamente diez años.

Puede que no sea su mejor disco, ni el que les proporcionó el reconocimiento general que más bien recabarían con los dos o tres siguientes, pero se trata de un trabajo delicioso que sentó las bases de los que serían sus mejores años. Y puede que a veces peque de una excesiva calma que se ve agravada por la extensión de sus canciones, pero sin duda contiene varias composiciones excelentes que han quedado sólidamente grabadas en el imaginario de sus seguidores.

Grabado a modo de sesión conjunta y en analógico en los estudios antes citados, y asistidos por el virtuoso multiinstrumentista Pat Sansone (Wilco), las canciones son largas en parte por sus copiosas letras como también por algunos extensos y fantásticos pasajes instrumentales. Se abre con las reminiscencias soul de That Western Skyline, que introduce los teclados y coros que caracterizan algunas de las canciones, y continúa con la delicadeza algo más ligera de Love Is All I Am, regida por el bajo y con más melodía. En When You Call My Name conceden el protagonismo a las guitarras y suena más rítmica y Give Me Time es una bella e íntima muestra de sensibilidad vocal y folk ascendente.

En When My Time Comes elevan comedidamente la rabia vocal y emparejan la sección rítmica y las guitarras para certificar uno de los puntos álgidos del álbum. Le siguen la también soulera y muestra de clasicismo al piano que es God Rest My Soul y la virtuosa mesura y austeridad de la más desnuda Bedside Manner. My Girl To Me cuenta con la bonita conjunción de una original línea de bajo y una guitarra bluesera y la sencilla Take Me Out Of the City peca algo de laxitud a pesar de sus bonitos juegos de voces. También lenta, aunque algo más sonora, If You Let Me Be Your Anchor avanza el emocionante cierre de Peace In the Valley y su sugerente culminación instrumental.

Fundamental en su discografía, con este disco abrían una prometedora carrera que ha ido añadiendo en los siguientes años hasta cinco referencias en las que han ganado contundencia e inmediatez y que también contiene vaivenes y experimentos de desigual resultado. Capacitados de sobra para la excelencia, como bien han demostrado en la mayoría de sus trabajos, quizá en los dos últimos no hayan andado sobrados de inspiración (no tanto en «We’re All Gonna Die» de 2016 como en «Passwords» de 2018), pero sigue siendo una gozada recuperar discos como este y sus sucesores con los que se han ganado el reconocimiento de la escena del folk-rock norteamericano actual y que esperamos aún deparen grandes momentos.

«Supernatural» y el retorno de Santana muy bien acompañado

Sergio

En el binomio 1999-2000, en la frontera del nuevo siglo, la música popular tuvo un invitado insospechado entre sus protagonistas más destacados. Era una época en la que todavía se vendían muchos CDs, las radios y los vídeos eran muy importantes para la visibilidad de un artista. Las ventas podían contarse por millones y nuestro protagonista casi llega a los veinte en todo el mundo, una barbaridad incluso para la época. En 1998, Carlos Santana contaba con 51 años, su banda Santana había sido incluida en el Rock and Roll Hall of Fame pero era una leyenda. Guitarrista inconmensurable y talentoso, creador del «Rock Chicano», Carlos Santana y su banda habían fusionado el Rock and Roll con los sonidos latinos y con presencia del Blues, el Jazz e incluso lo que sería después la etiquetada como World Music. Presentes en la primera edición de Woodstock en 1969, a partir de su segundo disco, Abraxas (1970), llegarían unos años 70 en los que estaban en primera línea con canciones como las versiones de «Black Magic Woman», la icónica «Oye como va», entre otras. Santana tenían un sonido muy reconocible y la guitarra de Carlos Santana era la protagonista aunque no absoluta porque también tenían una presencia destacadísima las percusiones. Sin embargo, Santana no tuvo unas décadas de los 80 y 90 del siglo XX especialmente relevantes. No pararon de publicar discos, mientras la formación también iba cambiando de integrantes y seguía girando. En 1992 ya no estaban en Columbia, su sello de toda su carrera hasta el momento, y ficharon con Milagro (1992) por Polydor. Desde entonces, no habría ningún disco con material nuevo de Santana hasta 1999 con el Supernatural que nos ocupa. Por allí apareció uno de los grandes ejecutivos de la industria discográfica, Clive Davis, que había sido el primero que confío en Santana cuando los fichó para Columbia, y surgió el proyecto de un disco colaborativo con algunos de las principales bandas y artistas del momento y que publicaría Arista. Santana serían acompañados por numerosas estrellas del momento lo que le daba una mayor visibilidad al disco, pero no creo que intuyesen el impacto del mismo con los números 1 de «Smooth» y «Maria Maria». Esas dos canciones, y en el ámbito hispanohablante «Corazón espinado», pusieron en el mapa un gran disco con una lista de colaboradores y colaboradas de diferentes estilos que, bajo el paraguas del inconfundible estilo de Santana, lograron un grandísimo éxito.

El disco comienza con un «(Da Ya) Yaleo» que es una gran canción representativa del eclecticismo de Santana, con la guitarra de Carlos Santana destacando junto a la percusión y a los vientos del final, quedando la parte vocal para Tony Lyndsay, vocalista durante muchos años de la banda. En «Love of My Life» son Dave Matthews y Carter Beafourd de la Dave Matthews Band, que entonces estaban en la cima de su popularidad, para dar lugar a un medio tiempo intenso. El mismo camino sigue con «Puts Your Lights On» con Everlast, aunque en este caso el sonido se endurece. En «Africa Bamba» apuesta por la fusión de estilos, canción cantada en español que fue compuesta junto al artista senegalés Touré Kunda. Y llega el turno de «Smooth», un hit incontestable con un Rob Thomas de Matchbox Twenty que entonces eran uno de los grupos más destacados. La canción dio con todas las teclas, ascendiendo en intensidad y con percusiones y vientos sobresaliendo. Pero mi debilidad del disco es «Do You Like the Way» en la que Lauryn Hill devuelve colaboración tras la presencia de Carlos Santana en The Miseducation of Lauryn Hill (1998). Hip Hop, Soul y Rock se unen en una grandísima canción en la que también está CeeLo Green, muy intenso en su interpretación. El otro hit del disco fue una «Maria Maria» que contó con la participación en la composición y producción de Wyclef Jean y con las voces de The Product G&B, también asociados a Jean. Es una canción que vuelve a mezclar elementos del Hip Hop y lo hace también de forma brillante, con protagonismo para esa guitarra española que marca el tempo de la canción.

En la segunda parte, el inicio es para «Migra» que también destaca por su eclecticismo. Además de la guitarra omnipresente de Carlos Santana y de las percusiones, aparece el acordeón y la canción contó en su composición con la participación de todo un Rachid Taha. Le sigue una convincente «Corazón Espinado» con los mexicanos Maná que también tuvo su éxito en nuestro país, también era la época en la que Maná habían logrado ser una de las bandas más importantes de la música en español. Eagle-Eye Cherry, hijo de Don Cherry y hermano de Neneh Cherry, era una de las estrellas emergentes del momento, tenía una carrera prometedora que se quedó a medio camino, pero tuvo su hueco en Supernatural con «Wishing It Was», una canción que también apuesta por sonidos más contemporáneos y que también funciona. El cierre del disco es para tres canciones como la instrumental «El Farol», basada en todos los elementos que conforman el sonido de Santana; la pausada «Primavera», que llega incluso a tener un punto de la Bossa Nova; y «The Calling», con el «duelo» de guitarras entre Carlos Santana y Eric Clapton que va aumentando en intensidad a medida que discurre la canción. El disco tiene una canción escondida, «Day of Celebration», en la que destaca la guitarra española del comienzo.

«Smooth», «Maria Maria» y «Corazón Espinado» pueblan esos meses de tránsito de 1999 a 2000 pero no debemos quedarnos sólo con estos singles. Supernatural es un gran disco que cuenta con muchas canciones destacadas y, veinte años después, sigue sonando fresco. Santana se puso de moda y, en 2002, los mismos protagonistas, Santana y Clive Davis, reclutaron otra nómina de colaboradores para la continuación de Supernatural, titulada Shaman, pero ni la lista era tan destacada ni las canciones tan potentes. Disco todavía más ecléctico si cabe, destacaba una Michelle Branch con «The Game of Love» que ascendería alto en el Billboard. Junto a ella, Seal, Macy Gray, P.O.D., Chad Kroeger de Nickelback, Dido, Ozomatli y, cerrando el disco, Plácido Domingo. Sus ventas fueron claramente inferiores, no llegó a los cuatro millones aunque sí que el disco fue número 1 en Estados Unidos. Santana volvieron a un segundo plano pero no dejó de lado la fórmula que le devolvió a la primera línea con All That I Am (2005) en el que, bajo la producción de nuevo de Davis, aparecieron Branch, Big Boi de Outkast, Mary J. Bigle, Steven Tyler de Aerosmiht, will.i.am de The Black Eyed Peas, Kirt Hammet (Metallica), Joss Stone o Los Lonely Boys, entre otros. A partir de ese momento, su ritmo discográfico es menor y en 2019 vuelven a ser noticia con la publicación de un sorprendente Africa Speaks, una mirada hacia el continente africano con la producción de Rick Rubin y la española Concha Buika a las voces, y componiendo buena parte del disco. Este trabajo ha logrado un amplio reconocimiento de la crítica y, las canciones que hemos escuchado, suenan muy bien, así que lo tenemos en nuestra lista. Pero fue Supernatural uno de los puntos de inflexión clave en la carrera de Santana, y veinte años lo hemos recordado.

The Raconteurs, «Help Us Stranger»

Javier

No podía fallar. Después de la extrañeza que causó con su último trabajo en solitario (‘Boarding House Reach’, 2018), y tras anunciar el regreso de The Raconteurs tras más de diez años de silencio, era inconcebible una decepción que, de ocurrir, hubiera minado la admirada consistencia creativa de Jack White. Porque en todos sus proyectos hasta la fecha tiene trabajos brillantes: desde los seminales The White Stripes, pasando por The Dead Weather hasta sus discos en solitario. Pero no sería justo centrar el mérito de este nuevo trabajo en el genio de Detroit, si acaso la habilidad de haber sabido reunir en torno a sí otros tres portentosos músicos como Brendan Benson (al que hemos perdido la pista, ¿para cuándo un nuevo trabajo en solitario?), Jack Lawrence al bajo y el batería Patrick Keeler. Y es que lo que habían hecho estos cuatro individuos en sus dos únicos trabajos hasta la fecha eran palabras mayores y reeditar el nivel de entonces suponía un verdadero reto, superado de sobra en este ‘Help Us Stranger’ que parece obviar los años que lo separan del resto para prolongar la estela de aquéllos.

Grabado en los estudios de Jack White en Detroit (Third Man Records), y ayudados ocasionalmente a los teclados por Dean Fertita (Queens of the Stone Age), otro habitual de los proyectos de White, en esta nueva entrega vuelven a lucir las guitarras a base de riffs increíbles y también la labor de Keeler a las baquetas. Las composiciones están firmadas por la dupla White-Benson y la producción corre a cargo de la banda al completo. El liderazgo vocal también se reparte entre White y Benson, a excepción del afilado y rítmico folk Help Me Stranger que interpretan a dos voces. Benson canta Only Child, una de las piezas más pausadas que mezcla los instrumentos tradicionales con teclados y sintetizadores, una Somedays (I Don’t Feel Like Trying) en la que combinan perfectamente la calma y la desmesura que la cierra sobrada de energía, el soul eléctrico y sobrado de emoción Now That You’re Gone y la fría e imparable descarga de guitarras poderosas que es Live a Lie.

El resto son para la voz de White: desde el retumbante inicio con Bored and Razed, veloz y duramente rítmico, además del coreado acelerón a lo Jimmy Page de Don’t Bother Me o la guiada por el piano para que guitarras y tambores la relanzen inevitablemente, Shine the Light on Me. La destreza rítmica de Keeler junto a un riff irreprimible impresionan y menean Hey Gyp antes de que otro genial y acaparador riff sostenga Sunday Driver. El cierre lo componen un blues escuálido y directo, con la inconfundible huella guitarrera de White, What’s Yours Is Mine, y el cierre tradicional y de cálida acústica Thoughts and Prayers.

Una vez más queda claro que White está hecho de una pasta de otra época y que sabe actualizarla como nadie; si a ello sumamos el enorme talento de Benson y la contundencia que la sección rítmica sabe mantener a lo largo de todo el disco, resulta más que digna esta añorada reaparición. Un trabajo que desborda energía con calculados medios, un moderno catálogo de sonidos de raíz que vuelve a situarlos sin remedio en la cabeza del rock estadounidense.