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Hasta aquí hemos llegado o el último disco


16 Ago

Llega un momento en el que una banda decide separarse, un momento en el que se entona un ‘Hasta aquí hemos llegado’ y cada uno se va por su lado. A veces es algo que ocurre de forma sorprendente, no lo esperas, no se veía ningún conflicto o lucha de egos, aunque muchas veces ni se intuyen, o una caída drástica de calidad o inspiración (o de ventas y visibilidad, obviamente). Pero, otras veces, se ve venir, hay indicadores de que esa formación está a punto de finiquitarse. También ocurre que un disco puede no ser el último disco porque, milagro, años después, la banda vuelve a reunirse, por los motivos que sean. Un ejemplo interesante de este hecho, uno de tantos, pueden ser Blur, que publicaron en 2003 un Think Tank que mostraba una evolución de la formación hacia otros sonidos y en el que no participó Graham Coxon, salvo en un tema, en esos momentos fuera de la banda por conflictos con el resto de los integrantes. Aquel disco fue el último de Blur, también el más incomprendido, hasta que en 2015 regresaron con The Magic Whip. Aquí vamos a hablar de discos que fueron los últimos pero no incluimos recopilatorios ni directos, sino discos de estudio con material nuevo, aunque también hay algunas excepciones. Un recorrido por algunos de los discos finales de algunas de nuestras bandas favoritas y sus circunstancias.

El debatido último disco de The Beatles

La situación de The Beatles era bastante insostenible al final de su carrera pero, ¿qué queremos? En menos de una década habían revolucionado el mundo de la música y en 1967 habían dado un salto sin precedentes con Sgt. Pepper’s Lonely Heart Club Band. Con los egos por las nubes, con las riendas de la formación en manos de McCartney, Lennon a otra cosa y Harrison buscando su sitio, y con el bueno de Ringo Starr viéndolas venir, el escenario se acabó de romper en tres años. Pero The Beatles no pararían en ese periodo, primero en 1968 con el denominado álbum blanco, y luego cerrarían su historia con Abbey Road (1969) y Let it Be (1970). Precisamente, el debate se centra en que el primero fue grabado en último lugar mientras que Let it Be se hizo anteriormente bajo la producción de Phil Spector frente al fiel George Martin. De hecho, en 2003 saldría publicado un Let it Be…Naked sin la contribución de Spector. Si consideramos a Let it Be como último disco, lo fue el publicado, está un paso por debajo de Abbey Road, y aunque en ambos están las constantes de The Beatles, no cabe duda que son discos también con un poso nostálgico que muestran que ese ‘hasta aquí hemos llegado’ es un hecho. El final es para el ‘Get Back’ y esa icónica imagen en la azotea. Era el final y el resto es Historia.

Radio Futura sientan las bases…y lo dejan

Radio Futura eran una de las principales bandas de la España de los ochenta y comienzos de los noventa. Santiago Auserón, Luis Auserón y Enrique Sierra habían desarrollado una evolución impagable desde esos comienzos insertados en ‘la movida’ hasta sentar las bases de lo que sería el Rock & Roll en español, en el que mezclaban otros sonidos de carácter latino. Si en 1987 habían dado un salto con La canción de Juan Perro, en 1990 Veneno en la piel todavía les llevaría más allá con temas como ‘Corazón de tiza’ o el que daba título al disco, todos ellos ya clásicos de la música en español. Pero ese sería el último disco con canciones nuevas de Radio Futura. En 1992 publicarían un disco en el que remezclaban algunos de sus clásicos con sonidos más latinos y hacían alguna versión titulado Tierra para bailar y lo dejaban, quedando también la sensación de que no encajaban mucho en la industria. La decisión dejó a sus seguidores bastante desconsolados y unos años después Santiago Auserón llevaría más lejos su evolución como Juan Perro. Radio Futura es una de las bandas más importantes del Rock & Roll en español y su legado es permanente, aunque queda la duda de hasta dónde habrían llegado.

Héroes del Silencio, agotamiento y tensiones internas

Si desconsolados acabaron los fans de Radio Futura en 1992 ni os imagináis cómo vivieron los de Héroes del Silencio el final de la banda en 1996 tras una gira como la de Avalancha que les había dejado rotos. Además, Enrique Bunbury y el guitarrista Juan Valdivia tenían bastantes discrepancias sobre la evolución de la banda. La historia de los zaragozanos es de sobra conocida, así como las etapas que vivieron. Bunbury, Valdivia, Pedro Andreu y Joaquín Cardiel habían ido modelando un sonido épico que comenzó con esa oscuridad postpunk británica de los ochenta y se desplazo hacia los cánones del Rock norteamericano. En 1990 publicaron su punto más alto, Senderos de traición, y en 1993 no se salieron del camino con El espíritu del vino. Héroes del Silencio triunfaban en España y América Latina, además de en parte de Europa. Pero en su cuarto disco, Avalancha, había cambios que les acercaban a otros sonidos más endurecidos, con producción de Bob Ezrin, no en vano estábamos insertados en todas las influencias del Grunge y lo denominado ‘alternativo’. El disco era todavía más ‘pesado’, en el sentido de menos accesible, aunque creo que es uno de sus trabajos más conseguidos con temas como ‘Iberia sumergida’ o ‘La chispa adecuada’. Pero el final estaba muy cerca y en 1996 la banda salta por los aires. Bunbury seguiría experimentando hasta encontrar su lugar, sorprendió a propios y extraños con el electrónico Radical Sonora (1997), y la soñada reunión de Héroes del Silencio se produciría en 2007 para una exitosa gira y nada más, algo que siempre han dejado claro sus integrantes.

Habíamos conseguido lo más difícil: Los Rodríguez

Los Rodríguez, una de nuestras bandas favoritas, no lo tuvieron fácil. Tras haber quedado en un tercer o cuarto plano con sus primeros trabajos, en 1993 llegaría Sin documentos, al que le costó arrancar pero cuando lo hizo no pudo parar. Andrés Calamaro, Ariel Rot, Julián Infante, Germán Viella y el bajista Daniel Zamora llevaron también el Rock & Roll a terrenos más latinos y lo mezclaron con la rumba, la cumbia, el reggae, etc. El siguiente paso era complicado, un disco a la altura, y lo consiguieron en 1995 con Palabras más, palabras menos, donde volvían a demostrar que estaban en una racha tremenda desde ese comienzo tratando de reeditar el ‘Sin documentos’ con ‘Milonga del marinero y el capitán’ hasta temas que se convirtieron en protagonistas del verano del 95 como ‘Mucho mejor’, ‘Aquí no podemos hacerlo’, ‘Palabras más, palabras menos’, o mi favorita ‘Para no olvidar’, etc. Se fueron de gira con Joaquín Sabina y todo parecía ir en orden pero las desavenencias internas por cuestiones económicas y el objetivo de Calamaro de desarrollar una carrera propia dieron al traste con una formación maravillosa y única. Años después, Infante y Zamora fallecerían, Calamaro y Rot se reencontrarían e incluso girarían, y las canciones de Los Rodríguez siempre nos acompañan porque siguen manteniendo la frescura de su momento.

¿Una fórmula agotada? o el final de El Último de la Fila

Si antes hablábamos de bandas con seguidores desconsolados por su final, lo mismo o más les pasó en 1998 a los de El Último de la Fila. Manolo García y Quimi Portet habían logrado también un éxito que se hacía difícil de explicar, con esa mezcla de sonidos y esas letras. Pero ya desde Los Burros estaba claro que algo había. En 1988 Como la cabeza al sombrero les dio el salto que necesitaban, confirmado con Nuevo pequeño catálogo de seres y estares (1990). El Último de la Fila ya eran una de las bandas más importantes de España en aquellos años, llenaban en sus giras y sus canciones las cantábamos en los bares, aunque también tendrían sus numerosos detractores, acusándoles de que su sonido no variaba mucho. Astronomía razonable (1993) fue su último gran disco y en 1995 cerrarían su trayectoria con un menor La rebelión de los hombres rana, que tras haberlo escuchado estos días tras casi dos décadas sin hacerlo me sigue pareciendo poco conseguido, muy oscuro y con unas letras mucho más complejas todavía. Tras una triunfal gira, en 1998 El Último de la Fila se separarían pero Manolo García demostraría que la fórmula seguía funcionando con su carrera en solitario, especialmente su primer disco Arena en los bolsillos (1998), mientras Portet seguía en un discreto segundo plano con su carrera. Creo que buena parte de las canciones de El Último de la Fila no han envejecido tan bien como otras bandas y artistas de la época, pero también que merecían un mejor final que su último disco. Quién sabe, puede que algún día García y Portet decidan regresar como El Último de la Fila, seguro que habría cola para verlos.

Oasis o no podían acabar de otra manera 

Liam y Noel Gallagher, Noel y Liam Gallagher. Todo está escrito sobre ellos y Oasis, ese momento en el que la tensión entre ellos llega al final con el anuncio en agosto de 2009 por parte de Noel de que ya no aguantaba más a Liam, cancelando el concierto que tenían que dar en Paris tras una trifulca de campeonato. Oasis fueron una de las grandes bandas de los noventa, con dos discos históricos como Definitely Maybe (1994) y (What’s the Story) Morning Glory? (1995) que les otorgaron el suficiente capital simbólico para seguir durante más de una década. El en su momento denostado Be Here Now (1997) no era tan mal disco, aunque sí que el BritPop ya estaba superándose. Desde entonces, la calidad de los discos de Oasis iba cayendo aunque ellos lo seguían intentando. Dig Out Your Soul (2008) sería su último trabajo de estudio, un disco del que casi nadie se acuerda. Oasis no parece que hayan dicho su última palabra, tal y como funcionan las cosas en el mundo de la música que no nos sorprenda que en unos años vuelvan a juntarse, cosas más raras se han visto aunque no muchas.

Por lo menos habíamos dignificado el final o los últimos discos de REM

Pocas formaciones llevan la carga de REM, prácticamente haber generado un sonido ‘alternativo’ en los ochenta y dar el salto al mainstream, habiendo mantenido casi intacta su credibilidad. Pero tras la marcha de Bill Berry vinieron años de los que hemos hablado en ocasiones, con discos en los que Stipe, Mills y Buck parecían empeñados en acabar con esa credibilidad, discos que no se sostenían hasta que tocaron fondo con el insulso Around the Sun (2004). Claro que tenían decenas de temazos y que en directo seguían siendo tremendos, así los vimos en Zaragoza en 2005, pero sus discos no funcionaban, más allá de algunos temas donde demostraban que, si querían, sabían. Para el final de su carrera decidieron volver un poco a sus orígenes publicando el notable Accelerate (2008) y Collapse Into Now (2011), un peldaño inferior pero también interesante con las colaboraciones de su amiga Patti Smith, Lenny Kaye, Peaches y Eddie Vedder. Curiosamente, aunque ninguno de estos discos dieron lugar a singles conocidos o Hits, son dos trabajos más auténticos que algunos de los anteriores, y nos dejaron con un buen sabor de boca, aunque también iban haciendo caja publicando directos. Puede que REM regresen algún día, quién sabe, pero siempre serán incontestables.

La discreta retirada de The Black Crowes

Otros que parece que igual no hayan dicho su última palabra son The Black Crowes. Desde 2015, la banda de Georgia no está operativa aunque su último trabajo sea Before the Frost…Until the Freeze (2009), y las carreras en solitario o en sus nuevos proyectos de Chris y Rich Robinson tampoco parecen funcionar. Si los Gallagher se caracterizaron por una relación horrible, poco mejor fue la de los Robinson que también se embarcaban en discusiones, la última la que provocó la última disolución de la banda, aunque ya se habían producido otras anteriormente. Con cambios de formación continuas, los Robinson y compañía habían publicado Lions (2001) para caer en un largo letargo del que saldrían con el recomendable Warpaint (2008), que mantenía la esencia del Rock de The Black Crowes con ese toque de Rock sureño característico. Before the Frost…Until the Freeze sólo tardaría un año en llegar, un disco doble grabado en directo en el estudio de Levon Helm en Woodstock. Era también un buen trabajo pero los siguientes años The Black Crowes no publicarían ningún material nuevo, sólo una revisión acústica de sus mejores temas en 2010, lo cual es también un indicador, y se dedicarían a girar hasta el 2015, año de esa una nueva desavenencia entre Chris y Rich, no sabemos si la definitiva.

Bonus Track: The Spaghetti Incident de Guns N’ Roses

Sí, también hay espacio para nuestros queridos Guns N’ Roses en el ‘hasta aquí hemos llegado’, aunque aquí todo es más complicado y la última gira de la banda con la vuelta de Slash y Duff McKagan es un ejemplo. Incluso no descartemos que haya material nuevo en el futuro porque, con esta gente (y la pasta de por medio, obviamente), todo es posible. Pero The Spaghetti Incident lo hemos puesto aquí porque es el último disco de la segunda formación clásica de Guns N’ Roses, la que incluye a Matt Sorum y Gilby Clarke. Claro, que entonces tampoco lo sabían que iba a ser el final. En 1993, los Guns N’ Roses venían de la megalomanía llevada al exceso de la gira de los Use Your Illusion y de los vídeos con delfines (‘Estranged’ mediante). La deriva de Axl ya parecía un hecho pero tuvieron una genialidad en la publicación de este disco de versiones cuyo título hacía referencia a un enfrentamiento con su primer batería, Steven Adler que como recordaréis fue despachado de la formación por sobrepasarse en el consumo de determinadas sustancias, y que acabó con un plato de pasta de aquellas maneras entre Adler y Rose mientras discutían por cuestiones legales. El disco recogía temas de bandas y artistas que habían marcado a los Guns N’ Roses y recomendaban que se buscasen a los originales. Allí predominaba el Punk-Rock pero también el Doo-Woop de The Skyliners. The Damned, The Stooges, Misfits, The New York Dolls, Johnny Thunders, The Dead Boys, etc., además de T. Rex o Nazareth, entre otros, aparecían en un disco notable que se cerraba de forma oculta con una balada acústica de Charles Manson, ‘Look at Your Game, Girl’, lo que desató una nueva polémica, una más, en la historia de Guns N’ Roses. El resto es una historia que ya hemos contado.

 

 

‘Neon Bible’ o cómo Arcade Fire pasaron la reválida del segundo disco


26 Jul

Quedan muy pocos días para que llegue el quinto disco de Arcade Fire, Everything Now, que ya ha contado con varios y suculentos adelantos. Parece que siguen en la senda de su antecesor Reflektor (2013), pero de eso ya tendremos tiempo de hablar. Seguro que también les caen tanto las valoraciones positivas por parte de la crítica como los palos de costumbre por representar la esencia de ese mundo ‘alternativo’ o ‘indie’ si esto tiene sentido hoy en día, que la verdad no lo sé, y se les acusará de grandilocuentes, ‘intelectualoides’ e impostados, entre otras cosas. A mí me gustan mucho Arcade Fire y, hasta la fecha, no tienen disco malo. Aprovechamos que su nuevo trabajo está ya casi aquí para recordar su segundo largo, el siempre complicado y muy difícil paso tras el éxito del primero, el soberbio Funeral (2004). De est disco ya hemos hablado en ocasiones anteriores y la formación canadiense había sorprendido con su épica, barroquismo, grandes canciones y el uso de violines, acordeones y percusiones que les dotaban de una personalidad propia. Y, claro, el siguiente paso era muy difícil. Win Butler, Régine Chassagne y compañía decidieron no salirse mucho del guión, épica y barroquismo a raudales, aunque con algunos pequeños matices. El resultado, un gran disco como Neon Bible (2007) que, si bien no alcanzaba la excelencia de Funeral, tampoco dejaba indiferente. Diez años ya del segundo trabajo de Arcade Fire, el complicado segundo disco.

‘Black Mirror’ marcaba el inicio, sin dejar de lado la épica pero también con un toque de oscuridad en su sonido, y de nuevo esas percusiones y el teclado que marcaban parte de sus señas de identidad. Pero el primer pelotazo llegaba con la maravillosa ‘Keep the Car Running’, un tema más optimista y animado que, obviamente, no dejaba de lado el carácter excesivo de la banda, pero una canción que se convirtió desde el minuto uno en uno de sus clásicos. ‘Neon Bible’ es un tema más corto, con un inicio como sincopado y lento pero que luego va cogiendo forma con la melodía y en el que destacarán las cuerdas. En ‘Intervention’ vuelven a llevar la grandilocuencia y el barroquismo al extremo en una canción fabulosa, ese órgano del inicio que marca el tempo, los coros de Chassagne, etc. Muy opresivo me resulta ‘Black Wave/Bad Vibrations’ (el título ya lo dice todo), un tema más complejo, con esos cambios de voces, esa percusión que también atosiga. ‘Ocean of Noise’ por su parte comienza de forma lenta para luego ir creciendo, Butler se muestra susurrante, pero al final gana en intensidad y esas trompetas fronterizas son fantásticas para un final que es de lo mejor de la canción.

‘The Well and the Lighthouse’ tiene un punto más rockero pero el bajo también suena más ochentero, destacando como se combinan las voces y de nuevo esa épica que no falte. ‘(Antichrist Television Blues)’ es más del Rock norteamericano, al que luego abrazarían en mayor medida en The Suburbs (2010), obviamente pasado por el filtro de Arcade Fire, pero siendo una canción en donde se observa un tono más crepuscular. ‘Windowsill’ es un tema de comienzo lento de nuevo que luego va creciendo y que se convierte en una preciosa canción. Pero uno de los momentos determinantes del disco llega con la canción que seguramente mejor define a Arcade Fire, o al menos su primera etapa, la imbatible ‘No Cars Go’, que ya había aparecido en su EP de debut en 2003. Recuperar ‘No Cars Go’ fue un gran acierto, un tema que te lleva con esos violines nerviosos y acelerados, esos gritos del estribillo, esas percusiones, lo tiene todo. El final del disco es para un retorno a la oscuridad, suponiendo un gran contraste con la vital ‘No Cars Go’, con ‘My Body Is a Cage’, una primera parte más vital y de lamento, como de un Blues desnudo por parte de Butler, para pasar en la segunda parte del tema a otra parte todavía más angustiosa con un órgano predominante y una percusión como de marcha fúnebre. Un cierre que no te deja indiferente y que muestra hasta dónde estaban dispuestos a llegar.

El 28 de julio llegará el quinto disco de Arcade Fire, Everything Now, y estamos deseando escucharlo. Una de las bandas más importantes de panorama musical en la actualidad, a pesar de sus detractores, una banda que ha sabido permanecer fiel a su estilo a pesar de los giros que van dando y que, hasta la fecha, les han salido bien.

La fuerza de Belako en su debut, ‘Eurie’


20 Jul

Belako se han convertido en una de las bandas de referencia de la escena independiente. Su propuesta alcanzó nuevas cotas con su segundo disco Hamen (2016), del que ya hablamos en su momento. Pero Belako, a pesar de su juventud, ya contaban con un primer trabajo fascinante como fue Eurie (2013), que les puso en el mapa. Procedentes de la localidad vizcaína de Mungia, la primera vez que los vimos fue en el BBK Live de 2014, aquel en el que tocaron The Black Keys. Ya contamos que fue nuestro querido amigo Andrés García de la Riva el que nos dijo que teníamos que acercarnos al escenario, el tercero del festival, donde actuaban Belako. En aquel lugar cerrado por la tarde hacía un calor tremendo pero Belako lo superaron con un concierto impactante que nos dejó impresionados. Y nos llamó la atención de una banda jovencísima que bebía de fuentes como el Post Punk, la New Wave de los 80, Joy Division, Sonic Youth y ese toque electrónico que no faltaba. Con Cristina Lizarraga imponiendo a las voces y se hacía cargo de los teclados, Josu Billelabeitia a la guitarra, Lore Billelabeitia con el bajo característico del sonido de la banda y Lander Zalakain a la batería, se notaba que Belako habían metido muchas horas de ensayos y trabajo.

Eurie venía precedido de su victoria en el concurso de maquetas de Euskal Irrati Telebista y del tercer puesto en el de Radio 3. Cuando publicaron Eurie ya se habían ganado una reputación que se vería confirmada con un trabajo que mostraba a la vez una mezcla de madurez e insolencia, un sonido propio y una producción muy acertada de Aitor Abio. El comienzo de ‘Sea of Confusion’ puede despistar por esas guitarras más metalizadas, ese punto más melódico y melancólico, aunque ese bajo a lo Joy Division ya anuncia que algo gordo viene. Y ‘Haunted House’ así lo demuestra con ese sonido más Post Punk, y de nuevo la presencia de un bajo protagonista y con esas guitarras del final que dan paso a una mayor aceleración en ‘False Step’, aunque también hay un punto melódico, mientras Lizarraga frasea por momentos y destaca el sonido de los teclados. En ‘Southern Sea (Beautiful World)’ juegan más a los 80, con un comienzo más minimalista para ir creciendo. Y ‘Molly and Pete’ es mi canción favorita, la que más se sale de su estilo sin dejarlo en ningún momento, ese comienzo tan melódico, ese juego con los teclados, la forma de cantar de Lizarraga en algunos momentos y esa fuerza del final de nuevo. Una maravilla de canción.

La segunda parte del disco da comienzo con la muy Punk ‘Vandalism’, muy acelerada, seguida de ‘Stop Contradictions’, de nuevo bebiendo de los 80 y con ese bajo superlativo, un sonido muy industrial también si se quiere y con Lizarraga cantando de forma brutal. En ‘Zaldi Baltza’ la voz la toma Josu Billelabeitia, una canción en euskera totalmente Punk que también nos recuerda a aquellos grupos de la Euskadi de los 80 y principios de los 90. ‘Monday’ retoma el sonido más industrial, con mayor presencia de los teclados y ritmos más electrónicos, una canción para bailar. Y cierran el disco con la más experimental y épica ‘Eurie’, también cantada en euskera y que tiene también su punto ambiental.

Belako se ganaron a la crítica y al público de la escena ‘independiente’ triunfando en festivales. En 2014 publicaron dos EP, Bele Beltzak, Baino Ez AAAA!!!!, y en 2016 superaron el siempre difícil segundo disco con Hamen, manteniéndose fieles a su estilo pero evidenciando una cierta evolución. Estuvieron en Actual en 2015, en Fardelej en 2016 y ahora llegan a Ezcaray Fest en 2o17, una gran oportunidad para volver a disfrutar en directo de una de las bandas más interesantes y atractivas del panorama, y en donde podremos escuchar seguramente el adelanto de su nuevo trabajo Render Me Numb, Trivial Violence titulado ‘Over the Edge’ y que llegará en septiembre. Pero, recordando su disco debut, ‘Hanted House’:

Los Restos Del Concierto

Porque no todos oímos lo mismo