Cuando Quique González fue pasando a otras ligas

Con la visita de Quique González a Actual, comenzamos los aniversarios de 2020 con Vidas cruzadas, el disco que publicó el madrileño en 2005. Desde entonces, Quique González ha cimentado su carrera pasando por varias etapas y, en la actualidad, es uno de los artistas más consolidados de nuestro país con un último disco como Las palabras vividas, con letras del poeta Luis García Montero. Ha sido una trayectoria que merece una retrospectiva pero volvamos a 2005, cuando Quique González era más reconocido entre la crítica que por el público y sacaba sus discos con su propio sello Varsovia Records!!!, creada en 2003, tras salir del ámbito de las grandes discográficas en un momento en el que Operación Triunfo reinaba en las listas. Pero González no era un recién llegado y Vidas cruzadas era su quinto disco. Ya había pasado por Universal Music donde había publicado tres discos: Personal (1998), Salitre 48 (2001) y Pájaros mojados (2002). A pesar de la presencia de nombres como Carlos Raya, y de haber compuesto para Enrique Urquijo «Aunque tú no lo sepas» inspirado en un poema de Luis García Montero, González no salía de un circuito reducido y encajaba en ese modelo que representaban el propio Urquijo, su referencia Antonio Vega, entre otros. Sin embargo, el ascenso del Country – Folk representado por el «Americana» y de artistas como Ryan Adams dieron a Quique González otra visibilidad vinculada a ese estilo, del que también era deudor. Ya con su discográfica propia, publicó la que sería una de sus obras de referencias, Kamikazes enamorados (2003), disco mayúsculo que, al hilo de esas tendencias que señalábamos, lo alejaba de esa imagen inicial e incidía en el intimismo y la parte acústica. Quique González había logrado casi lo más difícil y las comparaciones con el propio Adams e incluso con gente del calibre de Tom Petty no se hicieron esperar. Tocaba refrendarlo y para ello publicaría de nuevo en su sello un disco que incidía más en las raíces sonoras norteamericanas. Con el título de la mítica película de François Truffaut y con González volviendo a apostar por Carlos Raya y José Nortes en la producción, la querencia por esos sonidos se refleja en unas canciones que muestran a un Quique González lanzado y con unas letras en las que va profundizando, parte de las mismas basadas en un personaje creado por él llamado Kid Chocolate. Y es que, con los años, uno de los aspectos en los que mejor ha evolucionado Quique González ha sido en sus letras, especialmente en discos tan destacados como Delantera mítica (2013) y Me mata si me necesitas (2016), aquí no podemos dejar de recordar su concierto en Logroño en noviembre de ese mismo año, inapelable. La noche americana nos muestra a un Quique González más inocente si se quiere, más espontáneo incluso, en un disco que sigue emocionando por unas canciones que te atrapan.

El comienzo no puede ser más explícito, «Vidas cruzadas» tiene la épica y el desconsuelo con un sonido claramente del llamado «Americana», esas guitarras crepusculares muy «Western» y una letra muy conseguida. En la misma línea se asienta «Justin y Britney» aunque cuenta con un ritmo más juguetón, desmarcándose de la melancolía, destacando el sonido de fondo del Hammond. «El campeón» por su parte acelera el tempo aunque aquí sí que regresa a esa nostalgia que siempre ha estado presente en Quique González. «Alhajita» es un punto de inflexión en el disco, con las acústicas en primer plano, se reducen los sonidos más norteamericanos para ofrecer una canción con un gran estribillo. Pero retorna con «Kid Chocolate» a la melancolía y a unas guitarras que parecen inspirarse en Tom Petty & The Heartbreakers. En cuanto a «Los motivos», nos encontramos con una canción intimista y melancólica, más acústica. La primera parte se cierra con «Me agarraste», otra ruptura en parte con el «Americana» de la época, una canción en la que colabora Jorge Drexler y cuyo ritmo es más dinámico, habiéndose convertido en uno de los temas imprescindibles de Quique González.

La segunda parte se inicia con el retorno a la melancolía y a las guitarras crepusculares con «Días que se escapan», la letra es más críptica envuelta en una austeridad instrumental. «Hotel Los Ángeles» acelera, el protagonismo es de nuevo de las guitarras y los sonidos son más norteamericanos, pero en «Hotel Solitarios» hay otra vuelta al intimismo, con una instrumentación más suave y con el piano ocupando el primer plano. En «73», González fuerza la voz al cantar, trata de llevarla un punto más allá para darle más épica y dramatismo, y cierra con un gran poderío eléctrico con las guitarras al final. «Nunca escaparán» es más acústica e introspectiva y «Se equivocaban contigo» cierra de forma intimista pero con el tono crepuscular que caracteriza al disco.

La noche americana es uno de mis discos favoritos de Quique González, aunque ahora nos parezca muy lejano con la trayectoria del madrileño que ha publicado desde entonces otros cinco discos de estudio. En 2006, González regresó a una major, en este caso DRO (Warner), y realizó un acústico como Ajuste de cuentas que tiene un punto extraño ya desde el traje blanco que llevaba González, aunque es un trabajo muy interesante de resumen de su trayectoria hasta entonces, con la colaboración de Iván Ferreiro, Bunbury, Miguel Ríos y Jorge Drexler. Desde entonces, González, ha ido consolidando una carrera que parece haber retornado a una línea más de cantautor, aunque sin dejar de lado su querencia por sonidos norteamericanos. En Actual veremos Las palabras vividas, su ya comentada última propuesta. Mientras tanto, Quique González será siempre uno de nuestros favoritos, por sus apuestas, por su trayectoria y por lo que transmite, honestidad y autenticidad.

 

«Pequeño» o cuando Bunbury dio con la tecla

Enrique Bunbury es uno de esos artistas a los que se les quiere o se les tiene mucha manía, prácticamente no hay un término medio. La cosa venía ya desde Héroes del Silencio, de los cuales no vamos a decir nada, pero también pesaban sobre ellos ciertos prejuicios, por su pose, por su sonido tan épico…no sé. El caso es que, la separación de los aragoneses fue traumática para sus seguidores, y buena parte de los cuales culparon a Bunbury de la misma. A partir de ese momento, cada uno por su lado aunque sería Bunbury el lograría una exitosa carrera. Pero sus comienzos fueron titubeantes, todavía puedo recordar la sorpresa que produjo su debut en 1997 con Radical sonora, un giro estilístico hacia la electrónica que, por aquel entonces, despuntaba. Aquello fue extraño, incluso el look que mostraba Bunbury sorprendía, viniendo de donde venía, casi había pasado de emulo de Jim Morrison a salir de un after. Me acuerdo de «Alicia (expulsada al País de las Maravillas)», una canción muy de Bunbury, y…poco más. Sin embargo, el siguiente paso también sería arriesgado aunque, en esta ocasión, sirvió para poner las bases a su estilo, aunque también es cierto que nunca se ha mostrado tan ecléctico como con Pequeño, disco del que se han cumplido en este 2019 que termina dos décadas. Pequeño es un disco que refleja una variedad de sonidos, especialmente aquellos procedentes de las músicas del Mediterráneo, aunque la esencia de Bunbury está presente en la intensidad y la épica que, la vista como la vista, siempre está. Pequeño es un gran disco que contó con unas cuantas canciones que son inevitables al hablar de Bunbury. Aunque igual le sobra alguna canción, es un trabajo coherente y con un Bunbury que sigue moviéndose en terrenos crípticos en ciertas letras, aunque algunas son más directas. Sorprendió de nuevo con los sonidos de «El extranjero», casi sacados de una película de Emir Kusturica, y con un nuevo look cercano al crooner, que luego iría cambiando. De salir del after pasó a vestir trajes, otra vuelta de tuerca para un camaleón que no dejaría de hacerlo en las dos décadas siguientes. Pero vamos con este Pequeño, para mí un disco fantástico y que me reconcilió con Bunbury, y al que no he dejado desde entonces, gracias a una canción como «El viento a favor».

Comienza el disco con «Algo en común», un medio tiempo de los suyos, pausada, con dramatismo y épica, aunque no es el sonido que marcará el conjunto de Pequeño pero funciona, te introduce en su universo, con una letra delicada. «Infinito» sí que ya ahonda en otros lares, tiene un punto tabernario, sigue con el dramatismo que se intensifica con las estrofas, con esa presencia del acordeón y una interpretación de Bunbury que va «in crescendo». Y llega «El extranjero», una de sus letras más celebradas, con esas cuerdas, muy de orquesta zíngara, y un piano protagonista. No cabe duda que es una canción pegadiza a más no poder, con esa melodía, a pesar de nuevo de un tono dramático. «Solo si me perdonas» profundiza en el mestizaje, aquí llevado al lado del Flamenco. Y «El viento a favor» es la canción que me llevó a este disco, emotiva y emocionante, un medio tiempo intenso y con una de sus mejores letras, una canción que sigue calando hondo. La primera parte del disco retorna a las líneas básicas del disco con «Lejos de la tristeza», el final tiene hasta un sonido de Tango, siendo más dinámica y contando con un órgano juguetón, así como con una letra más compleja.

«¿Dudar?, quizás» comienza con sonidos más orientales y tiene también un punto Flamenco, pero luego se interna en esas texturas más canónicas de Bunbury. «Demasiado tarde» es una de las canciones que se salen de la línea, es más experimental, tiene un tono jazzístico incluso, aunque al final regresa a la épica, pero es un tema que queda muy conseguida. «De pequeño», otra de las canciones más conocidas del disco, tiene un tono más festivo con otra letra que también destaca. El tramo final es para «Bailando con el enemigo», un medio tiempo donde destacan los vientos, y «Robinson» que tiene una fuerza orquestal, aunque ambas se resienten con respecto al conjunto del disco. No pasa lo mismo con la extensa «Contradictorio», que se va por encima de los siete minutos y que es una de esas canciones escondidas que siempre recuperas, vientos, cuerdas, guitarras, todo en uno, siendo otro de los temas donde se ve la esencia de Bunbury.

Con Pequeño, Bunbury dio un paso al frente y amplió su base de seguidores, embarcándose en una gira con su banda El Huracán Ambulante, que disolvería de forma abrupta en 2005 abandonando un concierto a la quinta canción en la localidad de Zuera (Zaragoza), pero esa es otra historia. La gira daría lugar al disco en directo Pequeño cabaret ambulante (2000), también muy celebrado y en la que recuperaba «Apuesta por el Rock & Roll», el tema de Más Birras compuesto por Gabriel Sopeña y Mauricio Aznar que ya hicieron en su momento Héroes del Silencio, así como hacía una intensa versión de «El jinete» de José Alfredo Jiménez, así como otra del Tango «Confesión». Luego llegaría el fantástico Flamingos (2002), más rockero, con un Bunbury muy consolidado. Pero siempre nos quedará aquellas imágenes de Bunbury en la gira de Pequeño, con su traje rojo. Imbatible.

 

Nirvana en acústico o los veinticinco años del «MTV Unplugged in New York»

No, no vamos a comenzar diciendo «¿dónde estabas tú el 5 de abril de 1994?», ya lo hemos hecho. No, casi podríamos decirte «¿dónde estabas tú la primera vez que escuchaste el sonido acústico de «About a Girl»?». Yo, seguramente, lo vería en los programas de vídeos de «Los 40 Principales» que emitía entonces Canal + en abierto. Nirvana ya no existían mediante el trágico final de Kurt Cobain. El Grunge estaba en su fase final y la sombra de los Punk Rock ya acechaba. Recuerdo que compré MTV Unplugged in New York a la vez que Dookie (1994) de Green Day. Ese mes de diciembre de 1994 también caerían Vitalogy de Pearl Jam, Amorica de The Black Crowes y No Need to Argue de The Cranberries. ¿Sorprendía que Nirvana hubiesen accedido a hacer ese «desenchufado» para la MTV?, ¿formaba parte de todo el proceso de dudas y sentimientos encontrados que atormentaban a Cobain? Bueno, en aquellos años grabaron programas como aquel casi todo el mundo, de Pearl Jam a Bob Dylan, pasando por R.E.M., Neil Young y Springsteen. Por ese lado, nada que decir. Pero, sin duda alguna y viendo la trayectoria de Nirvana y la personalidad de Cobain, no cabe duda que habría dudas y negociaciones duras. MTV Unplugged in New York venía precedido del ruidista In Utero (1993) que había sido producido por Steve Albini, y se convirtió en un disco icónico tanto por ser el trabajo póstumo de Cobain como por la accesibilidad de sus canciones. Es un disco que veinticinco años después sigue sonando impactante y emotivo, unas canciones desnudas y con una estructura acústica e intimista que contrastan con una voz de Cobain que, en no pocas ocasiones, muestra una rabia contenida. Hay varios detalles como la selección de las canciones, faltan algunos de sus éxitos; la presencia de versiones, hasta seis de los catorce del disco, tres de ellas de los Meat Puppets, banda underground con la que giraban, contando con Cris y Curt Kirwood de la misma en las canciones, todo un gesto; y también es la primera vez que muchos vimos a Pat Smear, que se había convertido en el cuarto integrante de Nirvana. Y también queda para el recuerdo la chaqueta de lana que lucía Cobain.

El protagonismo del disco se lo lleva Cobain, una muestra igual de lo que nos habría deparado su carrera, arropado por Krist Novoselic y un contenido Dave Grohl. A Smear también se une el chelo de Lori Goldston en varias canciones, junto a los ya mencionados hermanos Kirwood. Comenzar con «About a Girl», la única canción de Bleach (1989), era toda una declaración de intenciones. Una preciosa canción Pop que adquiere otra dimensión en su versión acústica y ese comentario del comienzo de Cobain, haciendo referencia a una canción de su primer disco que nadie conocía. Cuando tiran con «Come As You Are», uno de sus grandes éxitos y que en acústico mantiene su fuerza, parece que van a ir en esa dirección pero giran hacia la intimista «Jesus Doesn’t Want Me for a Sunbeam» de The Vaselines, con Novoselic tirando de acordeón. Una de las sorpresas del disco es la versión de «The Man Who Sold the World» de David Bowie, que adquirió una nueva notoriedad al intensificar Nirvana el tono de la canción que le había insuflado Bowie, siendo más dramática. Nirvana dotarían a piezas del In Utero de otros ropajes, es lo que ocurrió con «Pennyroyal Tea», donde el contraste entre la suave instrumentación y la voz de Cobain es notable. «Dumb» también se transforma con respecto a su origen del mismo disco, con un protagonismo destacado para el chelo, y con «Polly» retornan a Nevermind (1991), una canción en la que tienen gran peso los coros y el bajo de Novoselic.

La segunda parte comienza con «On a Plain», también del Nevermind, que es de las pocas en las que se acelera el tempo en el disco, no en vano su origen es más Punk. Emociona mucho la interpretación de «Something in the Way», uno de los mejores momentos del disco, con el chelo dándole una personalidad más fuerte. Llega el turno para las tres canciones de Meat Puppets que tocaron y en la que contaron con los hermanos Kirwood, como hemos señalado. Canciones que quedan desnudas y que eran desconocidas para el gran público pero que también destacan. Son «Plateau», «Oh Me» y «Lake of Fire», aunque en ocasiones a los Meat Puppets se les recuerda como los tipos que acompañaron a Nirvana en este disco. El final nos trae una relevante «All Apologies», de nuevo Cobain hace una gran interpretación, y la versión «Where Did You Sleep Last Night», una canción tradicional aquí con la lectura del clásico Lead Belly, que es un cierre emocionante.

MTV Unplugged in New York vendió millones de discos y, durante meses, sonaron sus canciones en las radios. Fue el cierre de la carrera de Nirvana, luego saldrían más discos en directo, recopilatorios, etc., aunque su carrera no ha ofrecido muchos descartes o canciones inéditas. Veinticinco años después, se ha reeditado este acústico pero yo prefiero quedarme con el viejo CD que compré allá por diciembre de 1994 en una fría tarde de viernes o sábado de diciembre. Nunca dejé de escucharlo.