Pearl Jam, «Gigaton»

Cuando analizamos discos de nuestras bandas y artistas favoritos, la vara de medir se distorsiona, tanto en un sentido como en otro. Puede que seamos muchos más duros que con otros porque tenemos el listón muy alto. Puede que seamos más suaves porque perdonamos más fácilmente que ya no estén a la altura de su legado, cosa por otra parte muy difícil. Hemos tenido ejemplos de sobra, el último seguramente el de un Bruce Springsteen que no acaba de dar con el tono pero cuyo último trabajo igual no merecía críticas tan negativas. Pero, en mi caso, cuando entro en el terreno de Pearl Jam…ahí ya tengo más dudas. Creo que fui mucho más duro con Lightning Bolt (2013) de lo que el disco merecía, los años y las escuchas me hicieron ver que aquel disco tenía más aciertos y virtudes que los que yo había visto. Tampoco esperaba mucho, la verdad. Y es que de Pearl Jam llevamos dos décadas en la parte de su discografía menos lustrosa, tras unos noventa en la que sus cinco discos de estudio, especialmente los tres primeros, eran clásicos. Pero ya Binaural (2000) era otra cosa, Riot Act (2002) buscaba reverdecer el lustro, Pearl Jam (2006) me resulta un disco más conseguido, Backspacer (2009) es más urgente y seguramente menos afortunado, y Lightning Bolt (2013) entraría en una obra que gana con el tiempo. Cuando se anunció su vuelta, nunca habían tardado tanto tiempo en publicar un disco nuevo, volvieron a surgir expectativas aunque no tan elevadas. Y es que siete años eran muchos años, aunque en directo siguiesen demostrando su imbatibilidad. Por el camino había caído un nuevo directo, Let’s Play Two (2017), pensado para fans completistas, como es mi caso. Sí, Pearl Jam son de los últimos «dinosaurios del Rock» y supervivientes del Grunge, casi nada, pero de ahí a pedirles el Ten, Vs. o Vitalogy del siglo XXI ahí un trecho insalvable, incluso para Pearl Jam. El caso es que Eddie Vedder, Stone Gossard, Jeff Ament, Mike McCready y Matt Cameron entraron en el estudio con un nuevo productor, Josh Evans, más desconocido y que había trabajado con Soundgarden y Gary Clark Jr., entre otros, y el primer adelanto ya sorprendió…aunque no para bien. «Dance of the Clairvoyants», que gana con las escuchas, era un sonido en el que Pearl Jam no habían entrado, más orientado a los ochenta. Pero, las siguientes canciones ya mostraron una vuelta a unos Pearl Jam más clásicos, pero dentro de su evolución en las últimas dos décadas. Gigaton, título un tanto grandioso, es el onceavo disco de los de Seattle y nos trae a unos Pearl Jam inspirados aunque es cierto que el disco va de más a menos, con un tramo final más pausado. Las labores compositivas siguen estando repartidas en la misma dirección, recayendo en mayor grado en Vedder (cinco canciones), mientras que Ament aporta dos; Gossard, McCready y Cameron una cada una; y las otras dos son colaborativas.

«Who Ever Said» es una canción clásica de Pearl Jam, Vedder canta con la garra habitual y Cameron comienza a marcar el ritmo con la batería. «Superblood Wolfmoon» tira más del Punk y las guitarras siguen en la tónica prevista. Llega el turno de la controvertida «Dance of the Clairvoyants», una canción muy diferente al comienzo del disco y con ese tono ochentero e incluso con un punto de la New Wave, esa programación de la batería, pero que acaba ganando con las escuchas, a destacar que es una canción que escribió toda la banda conjuntamente. «Quick Escape» es una de las cimas del disco, contundente y con la batería de Cameron de nuevo en un primer plano, aunque luego la canción deriva hacia la épica a través de unas guitarras que se expanden. «Alright» es otra de las canciones que cuentan con el sonido habitual de Pearl Jam, compuesta por Ament, es un medio tiempo que tiene un punto oscuro y que no deja de lado la épica. La misma continua en «Seven O’Clock», una canción más afectada y que se va por encima de los seis minutos.

Tras una primera parte notable, la segunda se inicia con la contundente «Never Destination», que encajaría en los discos de la banda de la primera década del siglo XXI, Cameron sigue a lo suyo y McCready y Gossard también. Recuperan el pulso más Punk en «Take the Long Away», compuesta por Cameron. «Buckle Up» es compuesta por Gossard y es un tema más ambiental y pausado, convence menos que el resto del disco, y el final es una letanía. «Comes Then Goes» cae del lado de Vedder y, aunque comienza acústica, luego va creciendo. «Retrograde» es de McCready pero parece de Vedder, muy ambiental y épica y en la cual la producción no parece haber acertado. El final del disco sigue en esa línea pero intensificada, aunque aquí la producción sí que está conseguida, con una «River Cross» de Vedder muy atmosférica basándose en el binomio formado por la voz de Vedder y el sonido del órgano.

Seguramente, la falta de expectativas es una de las grandes vacunas a la hora de abordar discos como Gigaton, que es de lo mejor de Pearl Jam en las dos últimas décadas. Siguen sonando contundentes y honestos y hay unas cuantas canciones que se van quedando grabadas. Han tardado siete años pero ha merecido la pena.

 

The Rolling Stones se marcan un acústico a su manera: «Stripped»

Años noventa. Los MTV Unplugged están de moda y muchos artistas han publicado el suyo. Eric Clapton logró un éxito descomunal con el suyo. El de Nirvana salió en 1994, meses después del suicido de Kurt Cobain. Bruce Springsteen (1992), Neil Young (1993), Bob Dylan (1994) tuvieron el suyo, y recuerdo con cariño el de Rod Stewart con Ronnie Wood (1993). En 1994 también publicaron el suyo Robert Plant y Jimmy Page, pero no llamaron a John Paul Jones. Y hubo más que no se publicaron. The Rolling Stones no grabarían para la MTV pero sí que harían una revisión acústica de algunos de sus temas, tanto en directo como en estudio. Ese disco se llamó Stripped y se publicó a finales de 1995. Me parece que es un gran disco, a mí me ayudó mucho a conocer mejor a The Rolling Stones. En aquellos momentos, los Stones estaban embarcados en la gira de turno del Voodoo Loung (1994), un disco de regreso del que no tocaron ninguna canción en este disco. En vez de ello, tiraron de clásicos que encajaban más con el espíritu del disco y de algunas versiones. La banda (Jagger, Richards, Watts y Wood), se vería acompañada por sus músicos de gira: Darryl Jones (bajo), Chuck Leavell (teclista), Lisa Fisher y Bernard Fowler (vocalistas) y la sección de viento encabezada por Bobby Keys. El disco sería producido por Don Was junto a los propios Jagger y Richards. El disco comienza gustándome desde la portada, los cuatro Stones con gafas de sol, blanco y negro, y una pose que es la que les pega.

«Street Fighting Man» es el inicio, una carta segura que sirve como de calentamiento antes de sorprender con una canónica versión, agradecimiento incluido, del «Like a Rolling Stone» de Dylan, fantástica interpretación. «Not Fade Away», de Buddy Holly, que ya habían hecho suya en los sesenta, la bordan grabándola en estudio de nuevo. Y «Shine a Light» la realizan en directo y, de nuevo, demuestran su maestría. El Blues regresa con otra vuelta a los sesenta y su «The Spider and the Fly». Y siguen buceando en sus comienzos con la también imbatible «I’m Free». Uno de los mejores momentos de todo el disco es la revisión, muy acústica y ajustada al original, de «Wild Horses», funcionando muy bien en este formato.

«Let It Bleed» es un retorno al Blues, de nuevo acertadísima la elección. Y «Dead Flowers» no podía faltar, ese Country Folk festivo de una canción que también está pensada para este tipo de formatos con la preeminencia de las acústicas. El espacio de Richards cantando queda para la preciosa «Sleeping Away», que gana en este escenario. «Angie» es otra apuesta sobre seguro y llega el turno de «Love in Vain», el tema de Robert Johnson que también harían suyo. «Sweet Virginia» es otra de las canciones que mejor encaja en este formato y cierran con «Little Baby» de Willie Dixon.

Stripped vería reediciones con otras canciones, descartes y grabaciones, como suele ocurrir con la discografía de la mayoría de los artistas. Como decía anteriormente, me parece un disco logradísimo, lejos de otros directos de la banda que están pensados como testimonios de giras y que no aportan mucho, la verdad, ejemplo el No Security (1998), testigo de la gira del controvertido, aunque infravalorado, Bridges to Babylon (1997). Máquina imparable, los Stones irían enlazando giras, recopilatorios y discos en directo, aquí sí que podemos destacar un doble Live Licks (2004) que salía de la gira del Forty Licks (2002), uno de sus recopilatorios más completos. También llegaría el Shine a Light (2008), ese concierto que les grabó Martin Scorsese y en el que participaron Jack White, Buddy Guy y Christina Aguilera. Y luego han seguido sacando directos de toda su carrera que se antoja interminable. Ahí siguen, con «Living in a Ghost Town», anunciando nuevo disco y, si pueden, seguro que gira de turno.

 

 

«The Promise» o el fondo de armario de Bruce Springsteen

De sobra es conocido que Bruce Springsteen siempre ha sido un destajista y que, durante la década de los setenta, no paró, tampoco más adelante. Entraba al estudio, con la E Street Band o sin ella, y a producir. En su autobiografía aparecen algunas claves que explican seguramente todo este proceso, como el no creerse la suerte que tenía y un cierto sentimiento de culpabilidad que daría lugar, en parte, a su depresión. Lo cierto es que los seguidores y seguidoras de Springsteen conocían muchas canciones que no habían sido publicadas porque las tocaba en sus conciertos. En 1998, la monumental caja Tracks puso en circulación parte de ellas. Fueron sesenta y nueve canciones, luego tendrían su resumen en el 18 Tracks (1999), que cubrían prácticamente toda la carrera de Springsteen. Exuberante es poco decir. Imprescindible, también. Pero había más. En 2010, Springsteen, que estaba ya en modo no parar con discos y giras, su último trabajo había sido Working on a Dream (2009), retoma canciones que había grabado en las intensas sesiones del Darkness on the Edge of Town (1978), para mí su mejor disco y el que mejor refleja las contradicciones de Springsteen. Recordemos que estaba también dando el paso para The River (1980). Y, revisitando las canciones, añadiendo voces y otros instrumentos, se saca de la manga el doble The Promise (2010), un disco impresionante, un trabajo de veintidós canciones, algunas conocidas, en las que participa la E Street Band, con una de las últimas contribuciones de Clarence Clemmons que fallecería en 2011. Lo que muestra Springsteen en este disco es el talento descomunal de un artista en un momento tan determinante como la grabación del Darkness on the Edge of Town, cuando viene de triunfar por todo lo alto con Born to Run (1975)pero su espíritu es otro. Springsteen hace el Rock que patentará, bebiendo del Soul fundamentalmente, y de los clásicos del Pop. The Promise está entre lo mejor que ha publicado en lo que va del siglo XXI y nos muestra lo que tuvo que ser vivir ese momento, con una banda dándolo todo. A mí me impactó cuando salió y me sigue pareciendo uno de los discos de Springsteen, y son unos cuantos, a los que regresar. Ya la portada nos da pistas, un Springsteen joven, con su coche en un espacio abierto, con una tormenta amenazante y muy crepuscular. Y, en el interior del libreto, se ven los rayos de esa tormenta que comienza a descargar.

El primer disco comienza con una versión alternativa del «Racing in the Street» del Darkness, muy épica y creciendo en intensidad a medida que va avanzando, expansiva y emocionante. «Gotta Get That Feeling» tiene un punto del Rock & Roll clásico pero sin dejar de lado el tono melancólico que marca al disco, aunque se manifieste menos en la festiva «Outside Looking In» con el saxofón de Clemons en primer plano. Impresionante es «Someday (We’ll Be Together)», épica y melancolía a raudales con unos coros imprescindibles. «One Way Street» es más contenida y de nuevo el contrapunto de Clemons es clave. De «Because the Night», nada que decir, popularizada por Patti Smith, aquí Springsteen se la lleva a su terreno. «Wrong Side on the Street» es marca de la casa de Springsteen y la E Street Band, exuberante y de celebración. Medio tiempo pausado, luego más intenso, es «The Brokenhearted» y «Rendezvous» es ya conocida, una de esas joyas escondidas que nos va remitiendo a The River. Cierra el primer CD «Candy’s Boy», otro medio tiempo en el que el órgano de Danny Federici es protagonista y que muestra la capacidad de Springsteen para ser un cronista de historias de la periferia.

El segundo CD aporta doce canciones que comienzan con la brutal «Save My Love», en la que Springsteen se lanza a cantar con intensidad y tiene una luminosidad en la instrumentación. Sigue en ese tono con «Ain’t Good Enough For You», festiva y con un piano juguetón. Pero a los medios tiempos con «Fire», que harían las Pointer Sisters, y que aquí cuenta con un tono pausado con el diálogo entre la guitarra y el saxofón. La melancolía y la narración de historias regresan con «Spanish Eyes». Destaca el Soul, tintes gospelianos incluidos, en la fantástica «It’s A Shame» que da paso a la nostálgica «Come On (Let’s Go Tonight)» que también se emparenta con The River. Otro de los grandes momentos del disco es la muy festiva y animada, esos vientos, que es «Talk to Me», mientras que el tono del disco se manifiesta en la épica «The Little Things (My Baby Does)» que vuelve a contar con unos vientos destacados. La contención, no exenta de dramatismo, se manifiesta en una emocionante «Breakaway». Y «The Promise» es una de las mejores canciones de todo el disco, de nuevo in crescendo hasta cargarse de intensidad, una de esas canciones y letras de Springsteen que marcan. «City of Night» marca la pausa para casi cerrar el disco pero hay un tema oculto, «The Way», más sombría y con un tono espiritual.

La capacidad de Springsteen queda de manifiesto en este testimonio de una época en la que cimentó parte de su prestigio. Luego llegarían The River (1980), el intimismo de Nebraska (1982) y el giro de Born in the USA (1984). El resto, está contado. The Promise es una gozada, un gran regalo en 2010.