«Musicology» o Prince volviendo a las listas

El año pasado se me quedó en el tintero el disco de Prince de 2004 Musicology. Se cumplían entonces quince años del último disco con el que Prince volvió a ventas millonarias, tras elegir un camino más enrevesado cuando, poco más de una década antes, Prince decidió enfrentarse al mundo de la industria musical. Recordemos que, en 1991, Prince había publicado un disco que a mí me gusta mucho, y que en parte se emparenta con Musicology, como es Diamonds and Pearls. Pero, en 1992, Prince se hacía llamar «Love Symbol» y publicó bajo el mismo título su décimocuarto disco. A partir de ese momento, no paró frente a Warner y todos recordamos la denominación «el artista antes conocido como Prince» y lo de la palabra esclavo en su cara al recoger un premio. Todo aquello dejó de lado su música, aunque seguía sin parar, como solía hacer. Entre 1994 y 1995 publicó Come, The Black Album The Gold Expierence. En 1994 había sacado «The Most Beautiful Girl in the World», una edulcorada y maravillosa balada que le situó en lo más alto de las listas, una vez más. Pero, para la mayoría, Prince era una figura extravagante que se cambiaba el nombre y que había perdido el rumbo. En 1996 publicaría su último disco con Warner, Chaos and Disorder, y el explícito Emancipation con una portada en la que se ven dos manos soltándose de sus cadenas. No eran buenos momentos en lo personal para Prince cuyo hijo con Mayte García falleció a los pocos días de nacer por una enfermedad una semana después de nacer.

Prince desapareció de las grandes redes de distribución de discos. No recuerdo apenas discos nuevos de Prince en las tiendas, y eso que él no paraba de publicar. La caja Crystal Ball (1998), dos en 1999, The Rainbow Children (2001), en 2003 sacó dos, y en 2004, junto a Musicology, otros dos. Todos ellos los sacaba con su sello NPG (New Power Generation) y, la diferencia de Musicology es que Prince firmó con Columbia el acuerdo de distribución con lo que llegaría a un público mayor. También es un disco más convencional, dejado de la experimentación y la deriva hacia otros estilos que Prince cultivó, y seguiría haciendo. En ese disco participaron los saxofonistas Maceo Parker y Candy Dulfer, el teclista Clare Fisher, Sheila E., etc. Prince quería dar una sensación de banda también, en un disco al que le tengo un buen recuerdo.

El disco se inicia con la canción homónima, un sonido más Funk pero con el tono experimental tan de Prince, incluso con un punto Jazz. «Illusion, Coma, Pimp & Circumstance» sigue en esa misma línea, va ascendiendo y recuerda al Prince ochentero. Una de mis canciones favoritas es el medio tiempo «A Million Days» con Prince destacando en su forma de cantar. En «Life ‘o’ the Party» regresa al Funk, en la línea del comienzo del disco con una percusión muy bien interpretada. Por su parte, «Call My Name» es una balada Soul maravillosa con Prince cambiando el tono a la hora de cantar con falsete incluido. «Cinnamon Girl» es una de las cimas del disco, se escora hacia el Rock pero luego vuelve al sonido del Prince más explosivo y con la combinación de las voces como elemento diferencial en la canción.

La segunda parte se inicia con «What Do U Want Me 2 Do?», muy elegante y sutil. En «The Marrying Kind» vuelve al sonido más clásico de Prince con el toque Soul y una instrumentación poderosísima. «If Eye Was the Man in Ur Life» tiene un punto más de Rap y Prince retorna al falsete. Lo mismo hace en la intensa balada Soul «On the Cough» y sube al Funk adictivo, aunque más pausado, «Dear Mr. Man», cambiando Prince de registro al cantar. El final es para «Reflection», otra balada intensa Soul.

Musicology volvió a colocar Prince en lo más alto de las listas, vendió más de dos millones de copias, un hito para esos años y la trayectoria del de Minneapolis. Prince volvería en 2006 a firmar la distribución con una major, esta vez Universal, 3121, que le llevaría al 1 del Billboard norteamericano. En 2007 regresaría con Columbia con Planet Earth, el disco que regalaría en primicia con el dominical británico The Mail on Sunday. Ese disco, por cierto, lo acabaría comprando yo un año después en un hipermercado por 2,95 € en la cubeta de saldos…Tras este disco, Prince volvió a publicar discos que eran imposibles de seguir y lo hacía con NPG. No sería hasta 2014 cuando, en toda una paradoja, regresaría con Warner con dos lanzamientos como Plectrumelectrum Art Official Age, que se presentó como un retorno pero que no lo fue ni mucho menos. El ciclo se cierra en 2015 con otros dos lanzamientos prácticamente simultáneos, separados por unos meses, esta vez con Universal, Hit n Run Phase One Hit n Run Phase Two, que pasaron más desapercibidos. Luego llegaría su fallecimiento el 21 de abril de 2016, seguro que en estos cuatro años Prince no hubiese dejado de sacar discos y más discos. Era un genio.

«Around the World in a Day» o cuando Prince se arrancó por el Pop psicodélico

Volvemos a Prince tras la reedición del excelso 1999. Era 1985 y Prince estaba en lo más alto, el año anterior había sido tremendo, en 1984 había publicado Purple Rain como banda sonora de la película que él mismo protagonizó. Prince y Michael Jackson dominan el Pop de los ochenta aunque Madonna ya asoma con fuerza. Pero Prince, instalado en su Paisley Park de Minneapolis y con The Revolution como banda, allí estaban Wendy & Lisa entre otros, acomete su séptimo disco de estudio, su tercer trabajo con la banda. Y llega Around the World in a Day, un disco que, sin dejar el sello de Prince, es más accesible y en el mismo se lanza a sonidos más psicodélicos. Prince y The Revolution realizan un disco que estaría en la siguiente línea de la discografía del de Minneapolis, tras las cumbres que son 1999, Purple Rain y Sign o’ the TimesAround the World in a Day llega con una portada colorista y luminosa que ya descubre un sonido más vital, incluida la tipografía psicodélica de las letras en ese globo que sale volando en una esquina de la portada. Vamos a recordar este disco de 1985, uno de nuestros discos favoritos de Prince.

«Around the World in a Day», la canción que da comienzo al disco, es un tema más orgánico, muy colectiva, con un punto luminoso, Prince desgañitándose y con unas guitarras Funk que contrastan con esos coros incluso gospelianos. Homenaje a su centro de operaciones es «Paisley Park», canción más Pop en la que destacan los coros de nuevo. «Condition of the Heart» es una preciosa canción en la que Prince canta en falsete, muy intensa y emocionante con el piano como instrumento principal. Y «Raspberry Beret» es una de las grandes canciones de Prince, una brutalidad Pop con esa melodía fantástica, una maravilla, una canción atemporal y con vídeo también impresionante. En «Tamborine», Prince vuelve a la senda del Funk, ese bajo, y la experimentación futurista, siendo uno de los descubrimientos del disco para los que no estábamos familiarizados con el mismo.

La segunda parte da comienzo con otra maravilla, «America», en la que sigue la senda anterior con la mezcla de guitarras y sintetizadores. Y si hay otro hit en el disco es «Pop Life», ¿qué se puede decir de esta canción?, con ese bajo, la elegancia y el juego de las voces con Wendy y Lisa. «The Ladder» es otro descubrimiento, una balada de gran intensidad y épica, Wendy y Lisa siguen siendo claves y el saxofón de Eddie M. es también un contrapunto muy acertado. Y se cierra con «Temptation», más de ocho minutos para una canción excelsa, esas guitarras del comienzo, los vientos y la voz de Prince, de nuevo impactante.

Prince, que no tenía ya nada que demostrar a esas alturas, siguió marcando el ritmo de los ochenta, pero a su manera y con su estilo. No dejaría de seguir sacando discos y en 1986 llegó Parade, último con The Revolution, en donde dejó el sonido más psicodélico y Pop, pero de eso nos ocuparemos el año que viene. Luego llegaría otra barbaridad de su carrera, Sign o’the Times (1987), un disco doble que también nos está acompañando estas semanas. Prince, un genio sin duda alguna, como siguió demostrando con Around the World in a Day.

 

«De la piel del diablo. La colección definitiva» de Tino Casal, un icono del Pop español

Para una generación, la imagen que guardamos de Tino Casal es la del vídeo de «Eloise» y sus actuaciones en los programas de música de la época, con bastón incluido. Después, la noticia de su fallecimiento el 22 de septiembre de 1991 en accidente de coche en Madrid. Y no, no era hermano de Luz Casal. Por nuestra edad, no estábamos familiarizados con su obra, posiblemente eclipsada por los grupos de Pop, incluidos los de «la Movida», que obtuvieron más visibilidad, aunque Casal logró también grande éxitos. En aquellos años, Mecano, Radio Futura, El Último de la Fila, Alaska y Dinarama, La Unión, Héroes del Silencio al final de la década…todos ellos contaban con más visibilidad. Casal era mayor que todos ellos, su primer disco Neocasal era de 1981 con treinta y un años, era polifacético y contaba con carreras paralelas como productor, escultor, etc. En «la Movida» se había movido muy cómodo y tenía una imagen poderosísima, no dejaba indiferente. Algunas de sus canciones fueron sintonía oficial de La Vuelta Ciclista a España, como «Pánico en el Edén» (1984) y «Oro negro» (1990). Eran los ochenta y aquello era un escaparate fantástico, ¿cómo olvidar «Me estoy volviendo loco» y «Con los dedos de una mano» de Azul y Negro en 1982 y 1983 respectivamente? Esos sintetizadores como banda sonora de esos resúmenes de La Vuelta con los ciclistas subiendo puertos…¡éramos unos niños!

Pero, volvamos a Casal. A veces te da por recuperar a gente a la que no le hiciste mucho caso, y eso me pasó con Tino Casal hace unos meses. Yo recordaba perfectamente «Eloise», «Embrujada» y «Champú de huevo». A diferencia de otros artistas y bandas, Casal no fue especialmente reivindicado en las décadas siguientes a nivel mainstream, a pesar de que la crítica le respetaba y su figura despertaba un aura de respetabilidad. Es decir, a otros artistas y bandas se les cuestionaba más pero a Casal, no. También estaba aquella anécdota, parece ser que no era cierta, de que David Bowie acudió a su entierro. Y es que la admiración de Casal por Bowie era muy reconocible así como la influencia del Glam en su música. De hecho, Casal fue denominado incluso el «Bowie español».

La forma que elegí para acercarme a la obra de Tino Casal fue una recopilación de 2016 titulada De la piel del diablo. La colección definitiva, coincidiendo con el vigésimo quinto aniversario de su fallecimiento.De acuerdo, esos adjetivos que se suelen poner en las recopilaciones…pero es lo que toca como veremos. En este caso, es un doble que cuenta con un primer CD titulado «Los imprescindibles» y un segundo «Los olvidados». Sin ser un conocedor, ni mucho menos, de la obra de Casal, me parece un planteamiento interesante porque hay una primera parte que aborda todos los éxitos y canciones que puedan sonarte, siempre que seas de esa generaciones porque, a las posteriores, no les llegó la obra de Casal. Los dos discos son fantásticos, con esa presencia de sintetizadores ochenteros, el Glam Rock y, especialmente, la voz de Casal, menudo registro. Casal publicó cinco discos en los ochenta, producidos por el radiofónico Julián Ruiz, tras regresar de Londres unos años antes, donde se había empapado de ciertas corrientes y las había llevado a su terreno. Las canciones de Casal transmiten una vitalidad y una explosión que en pocas ocasiones se tiñen de melancolía, aunque también se aprecia en algunos toques vinculados a los «nuevos románticos».

El primer disco aborda sus éxitos, como hemos señalado. Ahí están «Embrujada», la versión de «Eloise» del Barry Ryan que antes harían The Damned, «Champú de huevo»…Las tres son icónicas en la carrera de Casal. «Embrujada» es una barbaridad, una canción atemporal, a pesar de su ubicación en una época tan concreta. «Eloise» es pura orfebrería Pop con esos arreglos orquestales y la voz de Casal elevándose con esos falsetes. Y «Champú de huevo» es hija de su época, en plena «Movida», publicada en Neocasal (1981), y con una letra que es también fruto de su tiempo. Impresionante es «Billy Boy», esas guitarras eléctricas, y también para apuntar «Pánico en el Edén», que ya hemos comentado que fue sintonía de La Vuelta Ciclista a España, como «Oro negro», más electrónica. No podía faltar una «Histeria» que representa el sonido ochentero con esos sintetizadores sin pausa. Y hay espacio para la versión del «Killing Me Softly with His Song» de Roberta Flack revisitada como «Tal como soy». Por su parte, en «Sex o no sex» adopta un tono muy del Glam Rock. Hay también dos maxis de «Pánico en el Edén» y de»Eloise», en una época en la que estas canciones eran inevitables en las discotecas.

En la segunda parte, hay espacio para versiones, sonidos que recuerdan a Prince y el Tecno Pop de los ochenta, con alta dosis de barroquismo. Es una selección que comienza con la una versión de «Life of Mars» de Bowie a la que le da un tono más épico, una diferente lectura de «Tal como soy» con una cadencia más sutil y menos dramática, y destaca la de «White Room», titulada «Blanca estancia», de Cream, a la que le da otro tono diferente, con esas guitarras que sirven de contrapunto. Me gusta mucho la relectura de «Don’t You Want Me» de The Human League, «No fuimos héroes», que es fantástica para uno de los grupos que se acercaban al sonido de Casal, con ese comienzo tan electrónico. Del resto, muy del momento y con una producción bien conseguida es «Stupid Boy»; Julián Ruiz destaca en el libreto «Azúcar moreno», por la influencia clara de Prince y porque de ahí surgió el nombre del popular dúo; «Degeneración» suena al Glam Rock en el que tanto basó su sonido y su estética; la huella de Prince aparece de nuevo en «Santa Inquisición» y en «Miedo», una canción más experimental en la que mezcla el Tecno Pop con el futurismo del de Minneapolis. Se cierra el disco con «La piel del diablo», un Pop melódico muy bien construido, y con «The End», donde el peso se lo llevan los teclados.

A Tino Casal le han perseguido la pregunta de «¿qué hubiese pasado si no hubiese fallecido?» y la etiqueta de que fue «un adelantado a su tiempo». En cuanto a la primera pregunta, Julián Ruiz señalaba en una entrevista que se habría retirado a la escultura seguramente, no creo que los primeros noventa le hubiesen tratado bien a un Casal que no encajaría en la deriva que se llevó en esa década. Adelantado, puede ser pero sí que se percibe cómo Casal fue haciendo su sonido y su personalidad a partir de numerosas influencias, pero sí que es cierto que iba más adelantado que lo que sonaba en los ochenta en España. La dificultad para convertirse en una referencia más destacada en las tres décadas siguientes es una muestra de ello. Cierto que ha tenido algunos homenajes como la publicación, pero financiada vía Verkami del libro Oro negro: 25 años sin Tino Casal (2016) y que hace unos meses salió una caja con toda su discografía, muy colorista e difícil de acceder para todos los bolsillos (supera los 130 euros). ¿Por qué Tino Casal no tuvo más influencia en la música española o no ha sido más reivindicado?, seguramente los estilos que se impusieron en los noventa y el hecho de que su carrera fuese tan «hija de su tiempo» pueden haber influido, junto a otros prejuicios. Pero, no cabe duda que estamos ante un artista mayúsculo, una figura que merece un mayor reconocimiento. Un icono.